Главное событие — сам балетмейстер Вячеслав Самодуров, обнаруживший вроде бы обязательный, а на самом деле весьма редкий дар — умение мыслить в танце и танцем, создавать и очень простые, и очень сложные танцевальные ансамбли.

Dance Open 2024: «Sextus Propertius» в исполнениитруппы «урал балет» (екатеринбург)

Dance Open 2023: «Севагин / Пимонов / Самодуров» в исполнении Пермского балета

Dance Open 2020: «урал интро» в исполнениитруппы «урал балет» (екатеринбург)

Dance Open 2018: «Тщетная предосторожность» в исполнении Екатеринбургского балета

Dance Open 2017: «Снежная королева» в исполнении Екатеринбургского балета

Вячеслав Самодуров от первого лица

Вообще человеком быть тяжело.

В основном путь к качеству лежит через голову — и это довольно сложный лабиринт.

Конечно, «Маска» накладывает ответственность. Получить награду приятно и важно. Но завтра снова начинается работа, и думать о «Золотой маске» уже нет времени.

Какое-то время считалось стыдным ставить в классической манере, все должно было быть сдвинуто куда-то вбок и наверх. Сегодня произошла переоценка: возвращается вертикаль, с ней надо уметь играть, ее можно разрушать, сводить в баланс и возвращать обратно. У меня сейчас идет процесс нового познания языка классического танца и желание, как при игре в кубик Рубика, пересобрать его заново.

Вещи не обязательно бывают хорошими и плохими — они бывают просто разными. Мы стараемся воспитывать зрителя с помощью наших программ, чтобы они могли видеть разнообразие.

Мне хочется довести сюжет до предельной простоты, чтобы было, с одной стороны, проще, с другой — глобально. Потому что сюжет — это скелет, но главное — танцевальная конструкция.

Абстрактные балеты бывают разные — бывают хорошие, бывают плохие. Но если мы говорим о хорошем, то это очень концентрированная форма искусства.

Музыка для меня — главное в балете, а танец — это способ общения с мелодиями.

Мне видится, что танец и актерская игра — два сообщающихся сосуда и должна быть свободно перетекающая форма из одного в другое. Мы сейчас мыслим клипово, эклектично. Мне кажется, эклектика — современная форма мышления. Меня эклектика нисколько не смущает, я часто обращаюсь к ней сознательно — главное понимать, ради чего.

Главное — постоянно двигаться вперед — и театру в целом, и танцовщикам.

В зал приходишь с идеей и вектором развития. В любом случае всегда придумано первое движение для импульса. Раньше я чаще приходил с готовым текстом, а сейчас мне все интереснее поиск непосредственно в зале: он более непредсказуем, более зависим от артистов — от них требуется быстрее реагировать на предложенные идеи. Иногда результат удивляет тебя самого — бывает, и со знаком «минус». Но во всем этом больше жизни.

Вячеслав Самодуров

Окончив Академию русского балета имени А.Я. Вагановой по классу Геннадия Селюцкого, блестяще начал карьеру в Мариинском театре, где вскоре стал премьером. Решив испытать себя в иной хореографической стилистике, в 2000 году поступил в Национальный балет Нидерландов, через три года перешел в Королевский балет Великобритании — и в обеих компаниях также достиг высшей ступени балетной иерархии. 2010 год стал звездным для Самодурова-хореографа: в Лондоне его спектакль Trip Trac был включен в программу постановок молодых хореографов, а петербургский дебют — «Минорные сонаты» в Михайловском театре — сразу получил номинацию на «Золотую маску». В 2011 году Самодуров возглавил Урал Балет в Екатеринбурге: открылась новая страница как в истории труппы, с тех пор кардинально преобразившейся, так и в биографии хореографа, который предпочел ответственность лидера большого коллектива карьере свободного художника. Критики утверждают, что благодаря Самодурову уральский театр стал «центром по производству оригинальных идей в современной хореографии». «Счастливо сочетающий понимание красоты как хрупкой категории с привитым классикой чувством меры» (Наталия Курюмова), Самодуров легко узнаваем в своем творческом почерке. Публика ценит его спектакли за стремительную и азартную манеру, сплав экспрессивного, холерически поданного танцевального текста и сдержанного «английского» стиля актерской игры. Став во главе труппы, Самодуров занялся не только воспитанием артистов и публики, но и формированием нового поколения постановщиков. По его инициативе в 2012 году в Екатеринбурге стартовал проект по поддержке молодых хореографов «Dance-платформа». Сюда ежегодно стремятся попасть претенденты из России и десятка других стран. За годы работы проект открыл ряд имен, которым суждено громко заявить о себе в ближайшем будущем. Помимо премьер в родном театре в списке работ хореографа — «Trip Trac» на музыку Шостаковича (воркшоп молодых хореографов, Ковент-Гарден, 2010), «Минорные сонаты» на музыку Скарлатти (Михайловский театр, 2010), Н2О (2-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства, 2012), «Ундина» Хенце (Большой театр, 2016). «Поцелуй феи» Стравинского (Пермский балет, 2017) «Ultima Thule» одноактный балет на музыку Раннева в составе спектакля «Севагин / Самодуров / Пимонов» (Пермский балет, 2021). Дважды работы Вячеслава Самодурова были удостоены Национальной театральной премии «Золотая маска» в номинации «Балет/спектакль» — «Вариации Сальери» (2014) и «Ромео и Джульетта» (2016). Трижды он становился лауреатом «Золотой маски» в номинации «Работа балетмейстера/хореографа» — за постановку «Вариаций Сальери» (2014), «Цветоделики» (2015) и «Приказа короля» (2019). А в 2020 году хореограф стал лауреатом Премии Правительства России (спектакль «Пахита», Урал Опера Балет). В 2018 году Вячеслав Самодуров принял участие в работе жюри Санкт-Петербургской международной балетной премии Dance Open.

!function(){var t=document.createElement("script");t.type="text/javascript",t.async=!0,t.src="https://vk.com/js/api/openapi.js?160",t.onload=function(){VK.Retargeting.Init("VK-RTRG-312380-hXWII"),VK.Retargeting.Hit()},document.head.appendChild(t)}();

Хореографический язык Мирошниченко разнообразен и легок, в нем нет натуги и искусственности. C большим юмором, без назидания, он говорит об очень важных вещах.

Знаток русской и европейской классики, главный балетмейстер пермяков Алексей Мирошниченко уже не раз демонстрировал дар превращать разрозненные спектакли в балетные калейдоскопы.

Его премьеры всегда становятся яркими событиями в мире искусства.

Dance Open 2024: «Ярославна» в исполнении Пермского балета

Dance Open 2021: Мультимедийный видео-экскурс«БАЛЕТНАЯ АЗБУКА»

Dance Open 2019: «Щелкунчик» в исполнении Пермского балета

Dance Open 2017: «Золушка» в исполнении Пермского балета

Dance Open 2016: «Ромео и Джульетта» в исполнении Пермского балета

Алексей Мирошниченко от первого лица

...Современный танец ни в коем случае не «второй сорт» и не «халтура». Просто это более демократическое направление...

...Человек есть то, что он ест, — сказал в свое время Гиппократ. А балетная труппа — это то, что она танцует. Хореографические тексты, через которые она проходит, определяют ее состояние. Рацион должен быть разнообразным, это и есть залог успеха...

...Время беспощадно даже для классических балетов — требуется делать либо капитальные возобновления, либо авторские редакции...

...Танцовщик может сделать пять, десять, пятнадцать пируэтов. Но это всего лишь трюк. Зритель всё равно будет вспоминать не трюки, а смысл танца...

...Надо рано вставать, много работать каждый день, вот вам и вся магия... ...Больше всего в этой жизни мне интересны живые люди... ...И театр, и искусство в целом не просто помогает, оно призвано нести людям истины о любви, о доверии. Я бы сформулировал так: искусство нужно нам для того, чтобы в нашем физическом, плотском состоянии лучше понимать «невидимые» вещи. В каждом из нас — целая жизнь, космос, в котором лишь одной мыслью можно перенестись в другие миры, в прошлое, в мечты о будущем… Именно искусство помогает нам ощущать эти чувственные вещи, оно является неким проводником между духом и телом...

Алексей Мирошниченко

Один из ведущих и самых востребованных российских хореографов, чей стиль всегда отличали смелый подход и узнаваемый почерк. «Балет может выразить то, что нельзя передать словами», — не перестает он повторять, продолжая искать новые формы и способы выражения тончайших эмоций. Раскрыть в пластических озарениях то, что ускользает от любых вербальных ловушек, — в этом ему нет равных. По окончании Академии Русского балета им. А. Я. Вагановой в Петербурге Алексей Мирошниченко сразу был принят в труппу Мариинского театра, а в возрасте 23 лет дебютировал как хореограф, поставив балет «Свадебка» Стравинского. Убедившись, что это его призвание, в 2002 году он окончил хореографическое отделение Академии, после чего несколько лет преподавал на кафедре. Мирошниченко всегда стремится искать новое: либо новую музыку для балетных экспериментов, либо новые смыслы в канонических произведениях. Так, в 2007 году он поставил сразу два балета по произведениям современников: «Ринг» на музыку российской альтернативной хип-хоп группы 2Н Company и «Как старый шарманщик...» на музыку Леонида Десятникова. В 2015-м преобразовал забытую сюиту Шостаковича «Условно убитый», напомнив, что один из самых серьезных и трагических композиторов XX века был также поклонником джаза. А в 2016-м полностью переосмыслил прокофьевскую «Золушку», перенеся действие балета в Советский Союз 1950-х. Хореограф сотрудничал с Большим театром России и Новосибирским театром оперы и балета, в New York City Ballet шли его спектакли «В сторону Лебедя» и «Дама с собачкой». Мирошниченко — автор танцев для драматического спектакля Валерия Фокина «Женитьба» (Александринский театр, Санкт-Петербург) и фильма Павла Санаева «Нулевой километр». Свой «роман» с Пермским академическим театром оперы и балета им П.И. Чайковского (с 2009 по 2020 и с 2023 по настоящее время Алексей Мирошниченко – главный балетмейстер театра) Алексей не считает случайным: «Наверное, это судьба. С первых лет обучения в Вагановском училище я постоянно слышал слово «Пермь»: наши ветераны вспоминали годы эвакуации, преподаватели регулярно ездили в Пермское училище давать мастер-классы, а в Мариинском театре танцевало множество выпускников тамошней школы разных поколений». Когда пришло время решать, всё творческое и профессиональное окружение Мирошниченко — Махар Вазиев, Леонид Десятников, Полина Осетинская, Павел Гершензон, Алексей Гориболь — было убеждено: кто, как не человек из Мариинского театра, должен прийти в родственный ему Пермский балет. Благодаря этому блистательному творческому тандему Пермский балет не только вырос в мастерстве, но и добился мирового признания. Теперь это национальный танцевальный бренд, ради которого в Россию приезжают балетоманы со всего мира. С этой труппой связано множество творческих удач и находок хореографа, бесспорно, повлиявших на развитие российского музыкального театра в целом. Алексей Мирошниченко — невероятный художник, обладающий удивительным даром обновлять и обогащать эстетику, превращать любой пластический текст из 2D- в 3D-реальность, придавая плоскостным историям многослойность, объем и глубину. «Время требует от нас чего-то более сложного, с несколькими уровнями восприятия, и хореографически более насыщенного», — говорит он, но все равно признается в любви к русскому классическому балету.

window.dataLayer = window.dataLayer || []; function gtag(){dataLayer.push(arguments);} gtag('js', new Date()); gtag('config', 'UA-7400244-2'); !function(){var t=document.createElement("script");t.type="text/javascript",t.async=!0,t.src="https://vk.com/js/api/openapi.js?160",t.onload=function(){VK.Retargeting.Init("VK-RTRG-312380-hXWII"),VK.Retargeting.Hit()},document.head.appendChild(t)}();

Dance Open 2018: «Душа фламенко»

Хосе Антонио Руис от первого лица

Я не уходил и не возвращаюсь. Когда возникают вещи, которые мне интересны, я в них участвую, и мне по-прежнему есть, что сказать.

Иногда мы не отдаем себе отчета в том, наследниками какого богатства мы являемся. Нам стоит оглянуться и понять, что без культуры мы были бы сиротами, были бы намного беднее. Без народных песен, без колыбельных, без фламенко.

Хосе Антонио Руис

Хосе Антонио Руис родился в Мадриде в 1951 году. Один из самых известных испанских хореографов современности, всю свою жизнь он посвятил развитию испанского танцевального искусства. Уже в возрасте 8 лет Хосе Антонио дебютировал на театральных подмостках Буэнос-Айреса. В 1964 году началась его творческая карьера на родине, где молодой танцор дебютировал в Компании Марии Росы (Compañía de María Rosa) в Мадриде. В 1972 году Хосе Антонио основал свою собственную труппу, Ballet Siluetas, в которой он смог не только в полной мере раскрыть свои танцевальные способности, но и попробовать себя в качестве хореографа. В 1978 году легендарный Антонио Гадес основывает Национальный балет Испании и Хосе Антонио становится его первым премьером. Через 8 лет Хосе Антонио принимает художественное руководство этой труппой, за 6 сезонов превращая ее в одно из самых удивительных танцевальных явлений мира. К этой должности он вернется еще раз позже, между 2004 и 2011 годами. Среди наиболее известных постановок Хосе Антонио для Национального балета Испании — «Лабиринт» (Laberinto), «С моим одиночеством» (Con mi soledad), «Дон Хуан» (Don Juan), «Кармен» (Carmen), «Жизнь коротка» (La Vida Breve). Вместе с Наталией Макаровой в 1990 году он создал па-де-де «Романс Луны» (Romance de Luna), премьера которого прошла на сцене Мариинского театра (тогда еще театра оперы и балета имени С. М. Кирова). Именно под руководством Хосе Антонио труппа дебютировала на сцене Метрополитен-Опера в Нью-Йорке и на XI Национальном фестивале балета в Гаване, оба выступления произвели настоящий фурор. С 1997 по 2003 годы Хосе Антонио руководил Андалусской танцевальной труппой (Compañía Andaluza de Danza), для которой он создал много выдающихся работ, среди которых «Малуно» (Malunó, 1998), «Андалусская элегия» (Elegía Andaluza, 1999), «Сироп» (Arrope, 2000) и «Белое и черное» (Blanco y Negro, 2000). Хосе Антонио — лауреат множества наград, среди которых почетная награда Гранадского фестиваля (1999), почетная награда Фонда танцев Алисии Алонсо (2004) и золотая медаль за заслуги в области искусств (2005). В XVII сезоне фестиваля Dance Open  — спектакль «Душа фламенко» в постановке и с участием Хосе Антонио Руиса. Это первый масштабный фламенко-проект в нашей программе, и мы гордимся честью представлять петербургскому зрителю живую легенду этого уникального жанра.

!function(){var t=document.createElement("script");t.type="text/javascript",t.async=!0,t.src="https://vk.com/js/api/openapi.js?160",t.onload=function(){VK.Retargeting.Init("VK-RTRG-312380-hXWII"),VK.Retargeting.Hit()},document.head.appendChild(t)}();

Dance Open 2018: «Тщетная предосторожность» в исполнении Екатеринбургского балета

Сергей Вихарев от первого лица

Я из очень простой семьи, в хореографическом училище очутился чудом.

Сергей Вихарев (1962-2017)

Сергей Вихарев родился в Ленинграде, в 10 лет поступил в Ленинградское хореографическое училище имени Вагановой. О своей профессиональной «родословной» он, шутя, говорил, что находится в трех рукопожатиях от Петипа: «Мой первый педагог Анна Петровна Бажаева — невестка Ширяева, ассистента Петипа. Потом была мать хореографа Николая Боярчикова — Марина Владимировна. А выпускал меня Владлен Семенов, ученик [Александра] Пушкина и [Владимира] Пономарева, премьер Кировского театра, муж и партнер Ирины Александровны Колпаковой». В Кировский театр он попал в трудное время: к началу 1980-х основу репертуара составляли стерильные советские редакции классических балетов. Но все же театр понемногу начинал меняться: на кировскую сцену стала проникать актуальная западная хореография, хотя и в очень небольших дозах. Вихарев, работавший в труппе с 1980 года, нашел себя именно в классическом репертуаре: «убежденный классик», купавшийся в хитросплетениях самых изощренных комбинаций, нашел свою нишу <…> в балетах Бурнонвиля и Баланчина, в романтической «Жизели» и стилизованной «Шопениане», в тогда еще стерильной «Спящей» и мирискусническом фокинском «Карнавале» (Татьяна Кузнецова, КоммерсантЪ). Описывая манеру исполнения Вихарева, очевидцы неизменно употребляли слово «стиль» — и это было исключительным явлением в эпоху, когда само понятие стиля было размыто и почти утрачено. Предельно четкая артикуляция па, корректность и сдержанность в подаче движений, ощущение хореографического текста не как механического набора па, но связного танца. Вихарев был чужд малейшей небрежности и сторонился вульгарных проявлений «актерского мастерства» и «души», но умел придать исполнению большой артистический блеск. Карьеру постановщика Вихарев начал в 1995-м — небольшим балетом «Леда и лебедь» в петербургском Эрмитажном театре. Через год Новосибирская опера пригласила его перенести «Спящую красавицу» в версии Мариинского театра. Еще годом позже ему доверили поставить балетные сцены в «Джоконде» Понкьелли в генуэзском театре Карло Феличе. В прямом смысле слова Вихарев не был хореографом, то есть не сочинял авторскую хореографию, не изобретал новых комбинаций и дуэтных поддержек, не пользовался элементами иных танцевальных систем — только азбукой классического танца. Он был не творцом, но хранителем ремесла, знатоком школы. В этом смысле Вихарев принадлежал той же профессии, что и Петипа — и вернее будет называть его балетмейстером. Неслучайно именно Вихарева вместе с балетным критиком Павлом Гершензоном руководство Мариинского балета в 1997 году командировало в Гарвард: Вихареву предстояло первым из российских балетмейстеров изучить хранящиеся там дореволюционные записи балетов Петипа. Так начался многолетний проект реконструкций балетов Петипа — одно из самых грандиозных событий в новейшей истории российского балета. Первенцем этого проекта — и дебютом Вихарева в амплуа реконструктора — стала «Спящая красавица» в Мариинском театре. Премьера прошла 30 апреля 1999, и не будет преувеличением сказать, что в этот день для отечественного балетного театра по-настоящему закончилась советская эпоха. Мнения насчет метода Вихарева разошлись, и саму идею о необходимости приближать балеты Петипа к стандартам XIX века разделили далеко не все, — но не осталось сомнений в балетмейстерском таланте Вихарева и масштабе происшедшего: возвращение «Спящей красавицы» в старом новом облике сравнивали тогда с возвращением Санкт-Петербургу его исторического имени в 1991-м. Ни в «Спящей», ни в последующих работах — «Коппелии» в Новосибирске (2002), «Баядерке» (2002) и «Пробуждении Флоры» в Мариинском (2007), триумфальной «Раймонде» в Ла Скала (2011) — Вихарев не стремился дотошно воспроизводить пластику и манеры танцовщиц XIX века. Очарование и благородство старины его постановкам придавали не позировки, скопированные с фотографий вековой давности — такое копирование Вихарев неодобрительно называл «манеркой». Он прекрасно понимал, что психофизика артистов за сто лет кардинально изменилась. Неизменными остались правила школы — и Вихарев всегда строго придерживался их. В 2015 году реконструкторский проект вышел на новый виток: «Тщетная предосторожность» Петипа записана в нотациях не полностью, что потребовало от Вихарева совершенно иного подхода и авторского включения — и именно это он осуществил в своей работе с Екатеринбургским балетом. Высочайшее мастерство балетмейстера проявилось именно в том, что между старыми и новыми фрагментами швов заметить почти невозможно. К тому же, это редкого изящества и блеска образец балетной комедии. Следующей работой Вихарева должна была стать «Пахита»: снова Екатеринбург, снова реконструкция хореографии Петипа, вновь записи частично утрачены, — но режиссерские задачи еще более сложные. Вихарев успел поставить ключевые ансамбли: смерть прервала работу в самом разгаре. «Проблема не в том, что рухнули конкретные планы: профессиональная культура, вкус и опыт Вихарева были безоговорочны даже для тех, кто не принимал его взглядов. Петипа лишился своего уполномоченного в современности» (Анна Галайда, Ведомости). Сейчас постановку продолжает Вячеслав Самодуров: премьера состоится 22 февраля 2018.

!function(){var t=document.createElement("script");t.type="text/javascript",t.async=!0,t.src="https://vk.com/js/api/openapi.js?160",t.onload=function(){VK.Retargeting.Init("VK-RTRG-312380-hXWII"),VK.Retargeting.Hit()},document.head.appendChild(t)}();